Contenuti tratto dal numero di novembre 2026 di Forbes Italia. Abbonati!

Paolo Strippoli porta L’estranea nella corsa agli Oscar 2027: il film è stato scelto per rappresentare l’Italia nella selezione per l’International Feature Film Award. Il prossimo passaggio sarà la shortlist dei 15 titoli, attesa per il 15 dicembre. Intanto, per il regista pugliese, classe 1993, è un’occasione unica per accendere i riflettori su un cinema di genere che in Italia deve ancora liberarsi da qualche pregiudizio.

Dopo A Classic Horror Story, Piove e La valle dei sorrisi, Strippoli torna con un thriller psicologico dalle venature horror. Al centro ci sono Anna e sua figlia Alice: una rivelazione sul passato della famiglia riporta a galla un patto stretto anni prima con uno sconosciuto, mettendo in crisi il loro rapporto. Il film esplora così il confine sottile tra amore e controllo, tra il desiderio di proteggere chi ci sta accanto e la presunzione di poter decidere al suo posto.

Presentato in concorso alla Mostra del Cinema di Venezia, L’estranea racconta con un crescendo finale la storia di una famiglia maledetta. Per Strippoli, l’horror è molto più di un gioco di paura: è uno strumento per mettere a nudo le contraddizioni delle persone e le inquietudini che si nascondono nelle relazioni più intime.

È partito da Corato (Bari) e oggi rappresenta l’Italia nella corsa agli Oscar. Quanto è stato difficile crescere lontano dai grandi centri del cinema?

In realtà, il cinema in Puglia si respirava già quando ero ragazzo. La Puglia Film Commission ha contribuito a far crescere questa cultura e a raccontare la regione in modo nuovo. C’erano registi come Roberto De Feo e Pippo Mezzapesa, che rappresentavano un riferimento per noi giovani. I miei genitori avevano dubbi quando ho iniziato, ma mi hanno lasciato provare. Sono sempre stato grato per questo: durante la scuola avevo capito che la realtà non mi bastava e sentivo il bisogno di inventarne altre.

Quando ha capito che voleva fare il regista?

Non ricordo un momento preciso: il cinema mi ha sempre affascinato, soprattutto per la possibilità di provare emozioni forti, persino pericolose, senza viverle direttamente. Se devo individuare una svolta, direi le scuole medie. Ero piuttosto isolato, avevo gusti diversi da quelli degli altri e mi sono rifugiato nei film. Ho iniziato a scrivere storie e a girarle con i pochi amici che mi supportavano. Lì ho capito che avevo bisogno di esprimermi attraverso la narrazione.

Lei è ancora, prima di tutto, uno spettatore. Che cinema vorrebbe vedere in Italia?

Un cinema più libero dai modelli che ci hanno preceduto. Non perché manchino opere coraggiose, ma perché spesso sembra che dobbiamo confrontarci continuamente con il passato della nostra cinematografia. Vorrei vedere più autori liberi di raccontare storie personali, senza doversi adattare a un modello prestabilito.

Quali sono i suoi maestri?

Amo profondamente Michael Haneke, a cui ho dedicato la tesi universitaria, David Lynch e Kiyoshi Kurosawa. Seguo molto anche il cinema contemporaneo: Yorgos Lanthimos è un autore di cui non perderei un film. Al Centro Sperimentale di Cinematografia di Roma, invece, Daniele Luchetti e Gianni Amelio mi hanno insegnato soprattutto la disciplina, il comportamento sul set e l’importanza dell’ossessione per il proprio lavoro. Non mi hanno imposto un gusto, ma mi hanno aiutato a capire il mio.

Mentre scrive pensa al giudizio del pubblico?

Ci penso dopo che ho scritto. Quando lavoro, penso alle immagini che voglio vedere e alle storie che voglio raccontare. La paura arriva quando il film deve essere presentato, venduto e comunicato. Da una parte è positivo: credo che lavorare senza preoccuparmi troppo del giudizio renda le mie storie più sincere. Dall’altra, quando arriva, quella paura ha una forza maggiore, perché spesso è troppo tardi per cambiare direzione. Se non potessi raccontare quello che mi sta davvero a cuore, non avrebbe senso fare questo lavoro.

C’è stato un ‘no’ che le ha fatto dubitare della sua strada?

Direi l’esclusione dal Festival di Locarno di Piove, nel 2022. Credevamo di avere buone possibilità di entrare nella selezione, anche perché era stato molto apprezzato. La notizia dell’esclusione è arrivata pochi giorni prima dell’annuncio ufficiale. Era un’opera a cui tenevo molto, con le sue imperfezioni, ma anche con una forte identità. Stimo quel festival e la libertà che rappresenta. Poi, però, i rifiuti passano. Quando insegno regia al Centro Sperimentale, cerco di trasmettere proprio questo: non bisogna lasciarsi scalfire, perché non ne vale la pena.

Che consiglio darebbe a un giovane che vuole fare cinema?

Di essere onesto e realizzare qualcosa in cui crede davvero. All’inizio questo può significare ricevere più rifiuti, ma è importante non perdere di vista la propria idea e il motivo per cui si è scelto di raccontarla. La valle dei sorrisi, per esempio, ha richiesto sette anni. Se non abbandoni i tuoi progetti, qualcuno può riconoscere la tua voce. Non è detto che il film diventi subito un successo commerciale: conta che si percepiscano la tua identità e la tua sincerità. Se ti tradisci per confezionare un prodotto a tavolino, rischi di perderti. Bisogna avere la schiena dritta, anche quando i no fanno più male.

In L’estranea si chiede quanto male si possa fare scambiandolo per amore. C’è qualcosa di autobiografico in questa storia?

No, anche se le storie che scrivo assorbono inevitabilmente quello che vedo e le esperienze delle persone vicine a me. Mi interessava soprattutto il tema del controllo: quanto siamo disposti a fare per determinare il nostro futuro ed evitare che la vita ci sorprenda? Siamo ossessionati dall’immagine che diamo di noi e dall’idea di poter decidere chi saremo. Ma viviamo in un mondo caotico, nel quale prima o poi arriva un’onda capace di ribaltare la nostra barca. In Anna, la madre protagonista, ho messo la parte di me che fatica ad accettare gli imprevisti. La figlia rappresenta invece la volontà di accogliere la vita così come viene. Sono due parti di me che si scontrano ogni giorno.

Ha 33 anni. Quanto pesa essere considerato un giovane regista in Italia?

Esiste ancora un pregiudizio nei confronti dei giovani, soprattutto nei settori legati alla scrittura e al cinema. Mi è capitato di sentire presentare come giovane un regista di 50 anni al suo secondo film. Se a 50 anni sei ancora giovane, che cosa significa? Il problema è che rischiamo di perdere sguardi generazionali. Quello che puoi raccontare a 20 o 30 anni è diverso da ciò che racconterai a 40 o 60. Magari sei più acerbo, ma hai una prospettiva che non puoi recuperare dopo.

Come sta oggi il cinema italiano?

Sul piano della qualità stanno emergendo autori molto interessanti. Penso a Carolina Cavalli, Laura Samani e alle sorelle Bertani: voci originali che forse non vengono ancora promosse quanto meriterebbero. Non credo che debba essere il pubblico a scovarle. È l’industria che deve metterle nelle condizioni di essere viste, investire su di loro e crederci. Sono convinto che le nuove voci italiane siano in grado di competere con i grandi titoli internazionali e, in alcuni casi, persino di superarli sul piano della qualità. Bisogna dare loro più spazio.

L’articolo Paolo Strippoli, il regista che porta l’horror italiano nella corsa agli Oscar 2027 è tratto da Forbes Italia.